07/09/2023 - VENECIA 2023: La cineasta francesa habla sobre la figura simbólica del vampiro, la mezcla de géneros y la imposibilidad de la integración en las falsedades normativas de la sociedad

(© Manuel Moutier)

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entrevista: Céline Rouzet
ficha de la película], que se ha presentado en la sección Orizzonti del 80.º Festival de Venecia.

Cineuropa: ¿Por qué pensaste que sería una buena idea hacer un largometraje a caballo entre película de vampiros, teen movie y película familiar?
Céline Rouzet: Mi familia sufrió una tragedia hace unos años, y llegué a la conclusión de que la forma más efectiva de hablar de ello podría ser a través de la ficción. Esa fue la razón por la que pensé que tendría sentido hacer una película de género, porque me encanta el lirismo y el romanticismo al que da lugar y, además, te permite exacerbar las situaciones, la intensidad de las emociones y las sensaciones... Y no solo eso, también te da la oportunidad de distanciarte de realidades que pueden ser realmente crueles y duras —en este caso concreto, me permitió tomar distancia con mi propia historia, y es que nunca habría sido capaz contarla de forma realista—. La figura del vampiro es de lo más interesante, porque se trata de un monstruo frágil, incomprendido y aterrador —cuya condición es invisible a primera vista— que se dedica a asustar a la gente. En el cine, la figura se ha representado a menudo mediante la disidencia, la marginalidad e incluso el erotismo, y es que se trata de una figura que guarda una relación muy estrecha con el cine. En la película, enfoco el vampirismo como algo tan misterioso como una enfermedad huérfana o un defecto congénito. Es prácticamente un estudio de caso: ¿qué ocurre cuando un chico con síntomas de vampiro se traslada con su familia a una ciudad suburbana tranquila, sencilla y extremadamente normativa?

¿Desde qué punto de vista querías retratar el enfoque de esta familia que se adapta lo mejor que puede a las complicaciones del día a día con su hijo vampiro?
Quería contar la historia de la imposible integración de un chico anormal, así como la de una familia dispuesta a sacrificarlo todo para protegerle. Asimismo, quería reflejar también cómo esta forma de actuar, este constante intento por ayudar al joven en todo momento y conseguir que parezca normal, que se pueda integrar y encaje en el molde —lo cual implica traicionarse a sí mismo y dejar que muera una parte de él—, puede acabar por asfixiar al protagonista. Quería que la gente comprendiera la singularidad de esta familia, por lo que tanto William Martin como yo trabajamos muy duro en el guion para lograrlo. Desde el principio, nos aseguramos de que esta familia tan particular resultara realmente conmovedora, entrañable, algo mentirosa y alegremente desordenada en casa... Hicimos especial hincapié en la ironía dramática de la película: estamos al tanto de sus mentiras, les vemos robar sangre, etc. Tenía que ser una obra estimulante y teníamos que encontrar un toque de luz y humor en todo ello, aunque la tensión, el malestar y el drama aumenten a medida que avanza la película, porque se trata de una agotada familia de luchadores que se deja la piel en un último intento por no chocar con un muro de piedra y conseguir que el chico tenga una buena vida. Hicimos todo lo posible para no perder la tensión ni la sensación de peligro en ningún momento, ya que, al fin y al cabo, se trata de una historia seria y llena de gravedad. La mezcla de géneros contribuyó en gran medida a ello, porque me permitió inyectar una pequeña dosis de romanticismo, un poco de luz a través del amor. La película no solo explora las falsas pretensiones sociales y las convenciones que ocultan la violencia, sino que también sigue a una familia que miente en un intento de actuar como si fuera igual que los demás.

¿Qué tipo de atmósfera buscabas crear?
La película refleja cierta obsesión por las emociones y por la visión del mundo desde la perspectiva de Philémon, una visión llena de deseo y peligro, que hace que la película oscile continuamente entre la violencia y una cierta sensualidad y ternura. Quería hacer uso de planos compuestos, movimientos de cámara fluidos, colores vivos y un ligero distanciamiento de la realidad a través de la introducción de un poco de onirismo y lirismo; todo ello con una luz que diera lugar a un toque de fantasía, para mostrar que en el mundo del joven tienen cabida los problemas, que hay algo imperceptible que pende sobre ellos. Obras como Las vírgenes suicidas, Call Me by Your Name [+lee también:
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Q&A: Luca Guadagnino
ficha de la película] o —en cierta medida— It Follows constituyeron mi fuente de inspiración en lo que a la estética se refiere. También necesitábamos que el día fuera peligroso y que las sombras y la noche sirvieran de refugio. Tratamos de conseguirlo mediante el decorado de la exuberante pero aislada ciudad suburbana (porque tenemos que cruzar un puente y adentrarnos en un bosque para llegar a ella), en toda su espeluznantemente perfecta suavidad y colorido, su inquietante rareza y sus sonrisas ligeramente exageradas. Otra de las vías para conseguirlo, no obstante, fueron los ruidos de la selva y de los animales del lejano Oeste.

La película hace referencias directas a Kathryn Bigelow, George Romero y William Friedkin, entre otros.
Es evidente que ese recurso se introdujo con una pretensión de lo más lúdica, pero se trata de algo que se hizo en consonancia con el estilo de la película. Me fascina el cine de autor, pero las figuras más populares —como la de Spielberg— y el cine de género con resonancia política no se quedan atrás.

(Traducción del francés)