22/01/2006 - Un encuentro con el director, un talento dramático que trabaja en una fina línea entre lo íntimo y lo social

Con precisión analítica y muy abierto, Laurent Cantet explica a Cineuropa las razones que lo empujaron hacia la aventura Haitiana en Vers le Sud [+lee también:
crítica
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ficha de la película] (Hacia el sur). Una mirada en profundidad que confirma la delicada perseverancia del director con la exploración de sus temas de predilección, en particular la necesidad de encontrar un lugar en un mundo nuclear donde todos llevan una máscara.

Cineuropa: ¿Cuál fue tu profunda motivación al decidir tratar con un tema de Haití?
Laurent Cantet: Al principio, hice un viaje a Port-au-Prince. Experimenté algo maravilloso al dar cara a cara con un país donde uno siente el arte de vivir, una fuerza, una sensualidad y una cultura muy rica, y por encima de todo una revuelta frente a un nivel de pobreza que uno presencia en varios otros lugares y una violencia que sentimos y que siempre está ahí lista para estallar. De pronto, tuve el deseo, no de hacer esa particular película ya que no había leído a Dany Laferrière, pero sí de hacer una película que tratase con una lugar de turistas en ese empobrecido país. La dificultad que tuve en encontrar mi lugar allí me hizo reflexionar en otras experiencias personales lo cual ayudó a agrandar una pieza que era más política de lo que en principio aparentaba. Esta preocupación de encontrar el lugar de uno es un tema constante en mis películas, la otra constante son las máscaras que llevamos pretendiendo que hemos encontrado un lugar que no es en realidad al que aspiramos.

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¿No es Vers le Sud una película donde los temas están algo ocultos?
Sí, creo que la película no se revela directamente. La historia íntima descubre poco a poco un cierto número de elementos que perseveran en el aire. Lo que me interesó fue la violencia social que está apagada pero siempre presente por la cual no tenemos muchas explicaciones pues creo que la realidad a menudo es más arbitraria de lo que podemos mostrar en un plano hermético. Lo que se me ocurrió en Port-au-Prince fue que algo podía pasar, casualidades felices o desafortunadas, encuentros maravillosos o repentinos disparos, una mezcla de suavidad y violencia. Intenté mostrar esta arbitrariedad de eventos en las vidas de la gente y que de repente nos podemos ver envueltos en algo más peligroso de lo que podríamos imaginar.

¿Cómo elegiste tu trío de actrices?
Las siluetas se dibujaron a sí mismas tan pronto como empecé a pensar en la película, y, sin premeditación apareció una imagen que se parecía mucho a Charlotte Rampling. Nos vimos antes de escribir el guión, hablamos y me preguntó todas las dudas que tenía. Al leer el guión, sintió que su personaje no seria fácil de llevar, no muy simpático al principio y débil al final. Pero dijo que sí, incluso aceptó que la película se retrasara un año, ya que suponíamos empezar en el 2003 cuando Aristide fue depuesta. Karen Young, la descubrí en el típico casting en Nueva York. Como para Louise Portal, la vi en películas de Denys Arcand y tenía ya la vitalidad de este personaje que se convierte en contrapunto de las historias de las otras dos mujeres.

¿Te sorprendió el premio al Mejor actor emergente en Venecia para Menothy Cesar?
El creó un personaje formidable. Nunca había visto una cámara de cine, no había técnica tras él, pero des del principio, tuve la sensación de que era un verdadero actor. Desde su primera improvisación, tenía el ritmo, sabía cuando parar, incluso sabía cómo mantener el silencio lo cual es muy raro para un no-profesional. Tiene un tipo de gracia y tranquilidad que usa para mantener frente a la cámara.

¿De dónde viene la idea de los monólogos frente a la cámara, algo que raramente vemos en el cine contemporáneo?
Los monólogos vinieron casi al principio de escribir, porque respetan la construcción de la novela de Dany Laferrière: son señales sucesivas de estas mujeres que cuentan una historia que se aclara poco a poco. Quería conservar este aspecto casi literario y también, ya que la película trata de un tema tabú, los deseos de las mujeres, me pareció importante no sólo verlas sino también escuchar sus propias palabras como si se tratase de un viaje íntimo que nos están revelando.

¿Cómo terminaste el rodaje en un entorno tan difícil?
En la parte urbana, teníamos un equipo de rodaje muy pequeño y necesitamos de total flexibilidad, es decir, ir donde podíamos cuando podíamos. El primer día, sonaron disparos cerca de nosotros y pensamos que quizá debíamos marcharnos pero el equipo se puso de acuerdo en permanecer. En cuanto al hotel, en la República Dominicana, tuvimos que hacer malabarismos con las terribles condiciones meteorológicas. Cambiaron un cierto número de escenas por esta razón, pero esto es lo que me gusta de rodar: hay accidentes, no somos los amos del mundo y es mejor hacerlo lo mejor posible antes que sufrir.

¿De qué trata tu próximo proyecto?
Una pequeña compañía productora americana independiente está haciendo una serie de películas sobre el Sueño Americano, como el visto por directores extranjeros. Propuse un trabajo fluido y largo y así mantengo el máximo de libertad en el plató, basado en el argumento en el que me encuentro trabajando. El tema será Nueva Orleáns y los supervivientes del ciclón, cómo intentan reconstruir, y cómo el suceso ha revelado cosas a cerca de la sociedad americana de hoy. Los americanos han redescubierto pobreza en su país, y también segregación, el hecho del racismo del sur es todavía uno de los cimientos de su sociedad.

Filmografía:
Hacia el sur (2005) LM
El empleo del tiempo (2001) LM
Recursos humanos (1999) LM
Les Sanguinaires (1997) CM
Jeux de plage (1995) CM
Tous à la manif (1994) CM
Un été à Beyrouth (1990) Doc