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Entrevista: Martin Pieter Zandvliet • Director

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"Una mujer atormentada por sus demonios personales"

por 

- El antiguo editor construye su debut como director sobre una poderosa actuación de la veterana actriz danesa Paprika Steen como una artista magistral cuya vida privada es un desastre

Entrevista: Martin Pieter  Zandvliet   • Director

Cineuropa: ¿El papel de Thea fue escrito pensando en el papel representado por Paprika Steen en Quién Teme a Virginia Woolf??
Martin Pieter Zandvliet: Quería hacer una película sobre una mujer atormentada por sus demonios personales e incapaz de compaginar su vida normal con su vida profesional en los escenarios. Pero esta vida profesional en el escenario no estaba todavía definida. Quería que fuese una artista, una actriz o una cómica. El casting comenzó, e inmediatamente pensé en Paprika Steen, quién estaba actuando en una obra en ese momento. Así que la pregunté si estaría interesada, y aunque inicialmente me dijo que no, a los tres meses vino y me dijo que creía que era una buena idea. Cuando consideramos la idea de darle el papel a ella, tuvimos numerosas reuniones y cenas para conocerla mejor. Y hablamos sobre qué películas y personajes nos gustaban. Su marido, que producía la película, también ayudo, y progresivamente la íbamos adecuando más en su línea. Leyó varios borradores del guión y nos dio sus opiniones. Al principio estaba un poco asustado de trabajar con ella, porque es muy famosa en Dinamarca. Pero estoy contento de que todo saliese bien y confiase en nosotros..

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¿ Como se dirige a una actriz de su envergadura, especialmente cuando no hay trazos de vanidad en su actuación y se utilizan numerosos primeros planos que la exponen por completo?
Hablamos mucho sobre lo que significa ser una actriz por encima de los 40. Cuando los directores realizan el casting, suelen decantarse por mujeres atractivas de 20 o 30 años pero no muy interesadas en la vida o en si es un buen personaje para interpretar. Para mi, todo gira alrededor de las experiencias vitales y la valentía, y no hay nada de malo en enseñar esas cicatrices que prueban que has vivido. Hace que el personaje sea más interesante. Existe siempre una delgada línea que separa hasta donde puedes llegar. Así que hice la película apoyándome mucho en su rostro, estando siempre muy cerca de ella, sintiéndola, buscando cosas en su expresión..

¿Qué fue lo más importante que aprendiste en tu antiguo trabajo como montador que te fuese útil como director? ¿Y como fue la colaboración con el editor de Applause [+lee también:
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Per Sandholt?

No tenía ninguna herramienta como director, por lo que si algo iba mal, tenía que confiar en mi libro de bolsillo de psicología. No estaba asustado sobre los distintos aspectos del rodaje. En realidad lo más importante era retratar los sentiminetos de la escena, y traté de concentrarme en la actuación y el personaje. Con Per, hablé un par de días sobre aspectos como el ritmo y como aguantar las tomas. Entonces se fue y después de cinco semanas me enseño el primer corte. Mi filosofía es dar a la gente con la que trabajas muchas confianza, y cuanto más confías en ellos, más sentirán que confías en ellos, y más intentarán entenderte y hacía donde quieres que vaya la película. Hice lo mismo con el Director de Fotografía, con los actores y con el resto del equipo. Per fue un gran montador y trabajaremos juntos de nuevo.

Applause ha sido calificado como un film post-Dogma. ¿Cual fue su influencia sobre tu estilo?
Absolutamente ninguna. Creo que estuve más inspirado por las películas americanas de los 60, en concreto por Cassavetes, y las películas francesas de los 60, porque se centran en la historia y los sentimientos de los personajes en vez de centrase en lo ascético, como el Dogma. Trabajamos mucho en el significado de los exteriores, que no es muy Dogma. Por ejemplo, su apartamento y el bar son muy oscuros, exactamente como sus sentimientos, mientras en el exterior y el escenario todo es muy luminoso.

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