04/03/2021 - BERLINALE 2021: Hemos hablado con la directora griega para saber más sobre su atrevido acercamiento a su primer largometraje, proyectado en Encounters

La primera película de la guionista y directora Jacqueline Lentzou, Moon, 66 Questions [+lee también:
crítica
tráiler
entrevista: Jacqueline Lentzou
ficha de la película], que participa en la sección Encounters de la Berlinale, cuenta de una manera muy especial la historia de la relación entre un padre y una hija. En esta entrevista intentamos desenmarañar el atrevido enfoque de la realizadora.

Cineuropa: ¿Por qué decidiste contar esta historia?, ¿la desarrollaste codo con codo con Sofia Kokkali? Es lo que da a entender la frase: “Una película de Jacqueline Lentzou con Sofia Kokkali”.
Jacqueline Lentzou: Yo quería rodar una película sobre un amor tácito y sus consecuencias. Añadí el nombre de Sofia en el título principal porque me pareció un honor y, a la vez, un acto de gratitud, de amor. El personaje de Artemis no lo podía haber interpretado otra actriz, y la complejidad del personaje de Artemis entronca directamente con la propia complejidad de Sofia. Es decir, no desarrollamos la historia juntas, pero digamos que la desarrollé teniéndola a ella presente, así que es una película mía con Sofia.

La luna ya las cartas de tarot aportan a la película una dimensión intrigante. ¿De dónde surgió la necesidad de incorporar este aspecto?
La luna y las cartas de tarot representan métodos de predicción y hacen referencia a una de las grandes fuerzas que conducen a Artemis a su situación: ella tiene el ansia de saber. En un principio no sabe qué es lo que tiene que saber, pero esta cuestión se va esclareciendo gradualmente y al final se resume en: “¿Por qué?”. Artemis quiere saber por qué un hombre que bajaba esquiando las laderas más peligrosas ahora es incapaz de levantarse de la cama sin ayuda. ¿Por qué la gente deja de existir como debería? Conocemos los síntomas, pero no sabemos qué nos empuja a ellos; conocemos las consecuencias de una enfermedad, pero no sabemos cómo la hemos contraído.  

Dedicar tiempo y energía a averiguar el porqué constituye un verdadero acto de amor. Esto es crucial en mi sistema de creencias. Una cantidad importante de nerviosismo y de ansiedad desaparece como por arte de magia en cuanto conoces el porqué, y esos sentimientos son sustituidos por una sensación de calma. La gente busca respuestas en la Tierra y en otros mundos, y cuantas más ganas tienen de saber, más “locos” son los métodos a los que recurren para conseguirlo. Artemis es un personaje que busca respuestas discretamente en otros sitios, o mejor dicho, la película construye un entorno repleto de indicios y deja que Artemis los descodifique.

Empleas distintas técnicas que de alguna manera consiguen que el espectador se sienta más cerca de Artemis y de Paris al mismo tiempo, y aleja a la audiencia de la película en tanto que formato. ¿Cómo se te ocurrió este enfoque y qué es lo que buscabas?
Entre otros temas, la película aborda la idea de una ruptura y, al mismo tiempo, la idea de la unidad. “Lo interno” no puede existir sin “lo externo”, y “el todo” no puede existir sin “la nada”. La forma que tengo ahora de escribir, en pareja, me permitió descubrir que en esta película la palabra más importante para mí era “dualidad”.

Además de los temas que llegan emparejados (salud/enfermedad, verdad/ilusión), sabía que la dualidad tenía que estar presente en el formato mismo de la película. Ahí es donde surgen las dos texturas, que reproducen los distintos momentos temporales y cualquier asociación que se pueda hacer a ellos. Quería rodar una película que separara (en tanto que película, en tanto que estructura) y al mismo tiempo conectara a los dos protagonistas a través de los trucos visuales.

Me interesa sobremanera la idea del formato del cine. A lo largo de mi vida me ha supuesto un reto en varias ocasiones. Tras ver algo me preguntaba: “¿Qué es?, ¿es una película?, ¿es una instalación?, ¿es un documental?”. Y cuanto más me costaba encontrar la respuesta, mejor me parecía la película. En el fondo se trata de un collage fílmico, tanto por los momentos que plasma como por su textura.

¿Cómo abordaste el trabajo de los personajes con Kokkali y Lazaros Georgakopoulos?
Utilizamos Fragmentos de un discurso amoroso, de Roland Barthes, para perfilar el trasfondo psicológico del personaje de Georgakopoulos, y para Sofía, muchas cartas, paseos y charlas con una copa en la mano. Todos ellos son aspectos humanos sencillos. Es una película que viene del corazón y que lo tiene. Solo tenía una opción: trabajar de tal manera que no me pareciera un “trabajo”, sino que me recordara a la vida.

(Traducción del inglés por Marcos Randulfe)