email print share on Facebook share on Twitter share on LinkedIn share on reddit pin on Pinterest

LOCARNO 2021 Competición

Lorenz Merz • Director de Soul of a Beast

“Mis películas no funcionan simplemente a nivel intelectual”

por 

- El joven director suizo nos habla sobre su segunda película, que forma parte de la competición internacional en el Festival de Locarno

Lorenz Merz • Director de Soul of a Beast
(© Locarno Film Festival)

Ocho años después de su primera película, Cherry Pie [+lee también:
crítica
tráiler
ficha de la película
]
, nominada a la Mejor Cinematografía en los Swiss Film Award, Lorenz Merz ha reunido un intrigante primer largometraje, Soul of a Beast [+lee también:
crítica
tráiler
entrevista: Lorenz Merz
ficha de la película
]
, para contar una historia poderosa a nivel visual que combina la sabiduría de los samuráis japoneses y los retos de ser un padre adolescente. La película se ha proyectado en competición en el Festival de Cine de Locarno.  

(El artículo continúa más abajo - Inf. publicitaria)

Cineuropa: ¿Cómo surgió la idea de hacer esta película interesante e inusual? He leído que hay un tema muy importante para ti, ¿podrías explicarnos a qué te refieres?
Lorenz Merz:
La idea surgió hace mucho tiempo, cuando tenía 27 años y empecé a investigar mi pasado. También fui padre muy joven, a los 18 años, y mientras pasaba por la abrumadora experiencia del nacimiento de mi hijo, mi mejor amigo murió. Esta mezcla de emociones, enfrentarme a la pérdida de mi mejor amigo y a ser padre, me hizo ver mi vida y el mundo de una forma diferente. Fue extraño y paradójico experimentar momentos tan fuertes en tan poco tiempo. Desarrollé una nueva forma de ver las cosas; no de forma espiritual, sino más bien una mirada detrás de escena. En esos momentos tan duros e intensos es difícil fingir que todavía controlas tu vida. Esos fueron los sentimientos e ideas que me hicieron querer hacer la película. Para empezar, la película se desarrolló más bien en torno a las nociones de nacimiento y muerte, y luego surgieron los problemas relacionados con la libertad y lo que significan. Mi experiencia personal estaba profundamente relacionada con la comprensión de que la verdadera libertad sólo puede experimentarse en el contexto de la libertad interior. No importa lo que te pase en la vida, lo que te ayuda a sobrevivir es la libertad interior; es tu escape. Este es el quid de la película, supongo: el significado de la libertad en un mundo donde crees que puedes decidir todo cuando, en realidad, no puedes.

¿Qué te hizo mezclar tantos géneros en una sola película? ¿De dónde surge ese deseo de salirse de los caminos trillados?
Desarrollé el primer guion muy rápido, y era completamente distinto a la versión definitiva. Al principio, había temas de nacimiento, muerte y libertad, pero, al final, la película resultó ser una historia de amor, una simple historia de amor, una representación visual de la experiencia de enamorarse. Es la historia de un joven que se enamora y de todos los sentimientos que experimentas en el cuerpo, cómo tu imaginación y percepción cambian tu vida, cómo el amor exagera todo; es como si te hubieran embrujado. Eso me acercó al tipo de experiencia interna vivida a través del personaje principal. Quería hacer visible esta experiencia interna para mostrar cómo experimenta las cosas; quería exponer sus sentimientos, que eran invisibles para el público. Y creo que la mezcla de géneros viene de eso, pero no fue una decisión consciente. La forma visual de la película surgió del mundo interior del protagonista.

¿De dónde viene tu interés por la cultura japonesa y por qué decidiste incluirla en la película?
Básicamente, pienso que casi todo lo que hago está ligeramente influenciado por la cultura japonesa. Desde la infancia, he estado profundamente influenciado por su historia y su estética, por la forma en que la cultura japonesa trata algunos temas, cómo ve ciertas cosas. Esa era mi inspiración general. La película también está libremente inspirada en la serie manga de los años 70 Lone Wolf and Club, que es muy sangrienta y violenta pero también muy poética. De alguna manera, quería trazar un paralelismo entre la relación entre los niños que observan su entorno violento desde un punto de vista muy puro, y la escena de jóvenes skaters urbanos. Un parque de skate es como un dojo donde practicas, ensayas y meditas de alguna manera. Recuerda a las artes marciales. Las historias de samuráis son como una antigua llamada al personaje principal. También se podría decir que tiene un alma japonesa, que crece y se parece a un samurái. Es como una asociación de ideas, y todos pueden interpretarla de forma diferente.

También es muy importante decir que la película no sólo funciona a nivel intelectual, un nivel que tienes que interpretar. Sin ser demasiado arbitrario, intento hacer las cosas como si fuera un pintor que sólo pinta flores muy bonitas; su belleza no tiene lógica. Mis películas no sólo funcionan a nivel intelectual.

(El artículo continúa más abajo - Inf. publicitaria)

(Traducción del inglés)

¿Te ha gustado este artículo? Suscríbete a nuestra newsletter y recibe más artículos como este directamente en tu email.

Lee también

Privacy Policy