10/08/2026 - El director rumano reflexiona sobre su exploración psicológica del frágil vínculo entre un padre y su hijo adolescente

(© Locarno Film Festival)

Florin Șerban, que en You Don’t Belong Here se adentra en una crisis familiar para explorar la masculinidad, la desconexión generacional y la ilusión de control, habla sobre la paternidad en Europa del Este, los límites morales y las razones por las que quería que el público se convirtiera en un testigo silencioso, y no en un detective. La película ha sido presentada en la competición internacional del Festival de Locarno.

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Cineuropa: Michel Houellebecq dijo una vez que la paternidad ya no tiene sentido porque el mundo cambia tan deprisa que los padres ya no pueden transmitir experiencias significativas. Tu película parece hablar precisamente de esta ruptura.
Florin Șerban: Ese fue el punto de partida. Pero no creo que esta desconexión sea exclusiva de nuestra época. Todos los adolescentes sienten que sus padres no los entienden; yo, desde luego, también lo sentía. Después me convertí en padre y me enfrenté a la misma dificultad.

Al principio, la historia trataba sobre una madre soltera y su hijo adolescente. A medida que evolucionó, me di cuenta de que también hablaba de mi generación en Europa del Este. Tras la caída del comunismo, de repente tuvimos oportunidades que nuestros padres nunca habían tenido. Creíamos que el mundo era nuestro, así que nos lanzamos de lleno a nuestras carreras y a la búsqueda del éxito, convencidos de que estábamos asegurando un futuro mejor para nuestros hijos. Irónicamente, muchas veces acabamos estando aún más distanciados de ellos de lo que nuestros propios padres lo habían estado de nosotros. Esto es especialmente cierto en el caso de los hombres. Nos convertimos en personas obsesionadas con alcanzar el éxito, convencidas de que podemos controlarlo todo. Sin embargo, cuanto más intentamos dominar el mundo, más importantes son las cosas que se nos escapan de las manos: la familia, las relaciones e incluso nosotros mismos.

Eso describe perfectamente a tu personaje principal, Marius. Quiere controlarlo todo, pero el mundo parece sorprenderle constantemente, ¿no?
Porque nunca sabes qué puede pasar en el futuro. Como adultos, tenemos la ilusión de que controlamos las cosas, pero en realidad nunca es así. Podría salir de esta habitación y que me atropellara un conductor temerario. La vida es caótica. Negarse a aceptar ese caos es, creo, un rasgo particular de la masculinidad de Europa del Este. La película también explora la ilusión de que somos tolerantes. Nos gusta pensar que tenemos una mentalidad abierta, pero cuando nos encontramos con personas diferentes a nosotros, ya sean minorías étnicas, sexuales o sociales, siguen existiendo muchos prejuicios.

En tu nota del director mencionas un ejercicio de interpretación sobre un padre que siente un desprecio abrumador hacia su hijo. ¿Se convirtió eso en el núcleo emocional de la película?
Durante una pausa en mi carrera cinematográfica, me centré en la escuela de interpretación que fundé. A menudo pido a los actores que exploren territorios emocionales incómodos. En uno de los ejercicios imaginábamos a un padre que simplemente no quiere estar cerca de su hijo. Como padre, resulta casi imposible imaginar algo así. Pero ¿qué ocurre si tu hijo rechaza todo aquello en lo que crees? ¿Si no se parece a ti en sus valores o en su temperamento, o incluso físicamente? Dramáticamente, esto me resultó fascinante. No es que al padre no le importe su hijo; es que, en un nivel casi instintivo, ha dejado de reconocerse en él.

Hablemos también de las madres. En Si quiero silbar, silbo, la madre es negligente y aquí está muerta. ¿Está relacionada esa ausencia con la falta de empatía del hijo y su comportamiento delictivo?
Durante la investigación para Si quiero silbar, silbo, pasé meses en centros penitenciarios para menores. Alrededor del 90% de los chicos que conocí habían crecido sin su madre. Procedían de contextos muy diferentes, pero esa ausencia era una constante. No estoy diciendo que crecer sin madre conduzca directamente a la delincuencia, pero sí creo que puede hacer mucho más difícil comprender emocionalmente el mundo y desarrollar empatía.

El estilo de la película es casi hiperrealista. A menudo observamos al padre y al hijo por separado, como si contempláramos en secreto cómo se desarrollan sus vidas. ¿Era esa tu intención?
Quería que el espectador sintiera que estaba mirando a través de un pequeño agujero en la pared, observando cómo se desarrolla la realidad sin que yo estuviera constantemente dirigiendo su atención mediante el montaje o trucos visuales. No creo tener un estilo fijo. Cada historia exige su propio lenguaje. Aquí me parecía adecuada cierta contención, porque quería que el público se convirtiera en un testigo silencioso.

Sin embargo, revelas muy pronto quién ha cometido el crimen. En lugar de dejar que el público dude y se pregunte si el chico es realmente un criminal, haces que el suspense surja de la propia relación.
Fue una decisión consciente. No quería hacer una película al estilo estadounidense de “¿quién es el culpable?”, porque eso distrae de las verdaderas preguntas: ¿qué es el amor de los padres? ¿Hasta dónde llegaría un padre por su hijo? ¿Está motivado por el amor o por la imagen que tiene de sí mismo? ¿Qué significa realmente la masculinidad? Admiro a Robert Bresson porque eliminó muchos recursos dramáticos convencionales y nos obligó a mirar en otra dirección. Quería hacer algo parecido. Sabemos lo que ha ocurrido; ahora centrémonos en por qué es importante.

Por lo visto, muchos de tus actores proceden de tu propia escuela de cine. ¿Qué importancia tuvo esto para ti?
Hemos pasado años desarrollando un método que no se basa en el Método. En lugar de eso, partimos de la persona. Intentamos construir el personaje a partir de la historia personal del actor, de su personalidad y de su verdad emocional. A veces incluso escribo papeles específicamente para ellos. Los actores que interpretan al hijo, a la amante de Marius y al personaje gitano surgieron de este proceso. Para mí, lo más interesante es el punto intermedio, ese lugar en el que el actor y el personaje se encuentran.

(Traducción del inglés)