18/12/2025 - Les journalistes de Cineuropa ont voté. Quelles sont les meilleures oeuvres européennes de l’année ?

En dépit de tout ce qui se passe en ce moment dans le monde, particulièrement en Europe, où des idéologies et politiques liberticides ayant pour corollaire l'étouffement de l'expression culturelle gagnent du terrain, les manifestations de créativité et revendications de visibilité, d’acceptation ou de reconnaissance dans le champ de la culture et de l’art n’ont jamais eu autant de force, pourrait-on avancer. En une année partout marquée par la tourmente pendant laquelle le génocide en cours à Gaza, la menace d’un fascisme toujours renaissant, les ravages du colonialisme et le combat pour les droits des femmes auront été au centre de nos préoccupations, plusieurs films sont parvenus à les évoquer sous toutes leurs facettes, tout en sondant en profondeur notre besoin éternel de guérir les blessures et de réparer les liens familiaux brisés, ainsi que notre recherche perpétuelle d’amour (quelle que soit la forme qu'il prenne) et la quête de sens qui découle de tout cela. À mesure que sa présence dans le monde continue de s'accroître (le fait que la "saison des prix de cinéma" n'est plus seulement américaine est révélateur), le cinéma européen tient bon, et affirme haut et fort ce qui compte pour nous tous.

Les journalistes de Cineuropa se sont exprimés. Quels sont les meilleurs films (co)produits en Europe de l'année, selon notre équipe ?

25 Put Your Soul on Your Hand and Walk [+lire aussi :
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fiche film], Sepideh Farsi (France/Palestine/Iran)

"Pendant une année, Sepideh Farsi est restée en contact avec avec la reporter-photographe palestinienne de 24 ans Fatma Hassona dans l’intention de documenter, à travers les yeux et la voix de la jeune femme, la vie quotidienne à Gaza sous les bombes. Le 15 avril 2025, Farsi a annoncé à Hassona que le film avait été sélectionné pour faire sa première mondiale au Festival de Cannes, dans la sélection de l'ACID. Les deux femmes se sont réjouies : toutes deux invitées sur la Croisette, elles allaient enfin pouvoir se rencontrer en personne. Le lendemain, le 16 avril, un missile israélien a frappé la maison de Fatma Hassona, tuant instantanément la photo-reporter et six membres de sa famille. Put Your Soul on Your Hand and Walk est de ces films qui vous balancent la vérité en pleine face et vous laissent abasourdi, même après que les lumières de la salle se soient rallumées. Dans son extrême simplicité (deux visages sur un smartphone, les photographies de Fatma, quelques extraits de journal télévisé), Farsi constitue un témoignage précieux et déchirant sur l’extermination en cours dans la Bande, mais aussi sur la force et la lumière de ceux qui n’ont plus rien, sauf leur humanité." (Vittoria Scarpa)

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24 L'amour qu'il nous reste [+lire aussi :
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interview : Hlynur Pálmason
fiche film], Hlynur Pálmason (Islande/Danemark/Suède/France)

"Anna et Maggi sont aussi séparés, depuis peu, mais ils passent autant de temps ensemble que le permettent les expéditions en mer de Maggi et le fait qu'ils ne sont plus un couple. L'histoire les suit sur une année, au fil des quatre saisons, et cela dit, des choses restent, y compris l'amour (ce qu'on voit à l'écran et qui, là aussi, donne lieu à des images intrigantes). Ce qui est clair, c'est que L'Amour qu'il nous reste est un film de Hlynur Pálmason, un excellent cinéaste islandais qui vous invite chez lui, quitte à vous déstabiliser une fois entré, mais ce n'est pas déplaisant, bien au contraire." (Jan Lumholdt)

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23 The Chronology of Water [+lire aussi :
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fiche film], Kristen Stewart (États-Unis/Royaume-Uni/France/Lettonie)

"Kristen Stewart s'est tellement retrouvée dans les mémoires encensées de Lidia Yuknavitch qu'elle a voulu en réaliser une adaptation et d'une certaine manière, on sent sa présence à l'écran. Bien que le film cède à certains clichés, elle n'en reste pas moins une belle expansion par rapport à ce que Stewart a déjà apporté au cinéma américain et international (un César figure en effet parmi ses trophées), cette fois de l'autre côté de la caméra comme réalisatrice.” (David Katz)

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22 Oui [+lire aussi :
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fiche film], Nadav Lapid (France/Israël/Chypre/Allemagne)

"Dans le nouveau film de Nadav Lapid, les personnages, peut-être paralysés par l'horreur qu'ils voient autour d'eux, semblent avoir perdu la capacité (ou la volonté) de parler. Ils dansent, avec une agressivité intimidante, et les émotions qu'on tendrait normalement à verbaliser, comme la colère, la passion ou l'amour, sont ici chantées, ou jetées sur un piano, façon Thelonious Monk. Le personnage central a ensuite recours à une manœuvre plus familière : il donne des ordre à son clavier iOS. Alors que les Israéliens vivaient à plein le traumatisme du 7 octobre, et l'imposaient eux-mêmes sans merci à Gaza, Lapid a décidé de rendre compte du confort de la vie d'un citoyen lambda à Tel Aviv, la grande métropole du pays, livrant ce faisant une contribution plus précieuse et sagace que beaucoup ne voudront l'admettre. Si une première en compétition aurait sans doute accru la tension autour de ce film, c'est facilement un des meilleurs du Festival de Cannes cette année." (David Katz)

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21 Un poète [+lire aussi :
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interview : Simón Mesa Soto
fiche film], Simón Mesa Soto (Colombie/Allemagne/Suède)

"La dure vie d'un artiste incompris (c'est du moins ce qu'il dit), qui souffre et tire le diable par la queue, mais qui est (d'après les autres) un bon à rien de clochard geignard : voilà le riche tableau que propose Un poète. Dans la succession d’évènements qui vont se déployer ensuite, Mesa Soto parvient (parfois d'une façon qui rappelle Ken Loach) à aborder avec humour et prévenance des questions sociales, la commercialisation des arts, les problèmes de parentalité, et par-dessus le marché les espoirs et rêves d'arriver enfin à bien faire." (Jan Lumholdt)

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20 Nouvelle Vague [+lire aussi :
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fiche film], Richard Linklater (France)

"Nouvelle Vague pourrait bien être un des premiers films à forcer votre esprit à en regarder un autre en même temps. Le film parallèle en question est À bout de souffle [+lire aussi :
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fiche film] de Jean Luc-Godard. Quant au tableau élégant et concis que Linklater propose du tournage du film, il constitue comme une réponse à l'œuvre qu'il évoque, la majorité des scènes faisant référence à des scènes du film de Godard. Nouvelle Vague, aimable dose de cinéphilie pour les inconditionnels, ne risque pas de donner lieu à une révolution du septième art, mais il nous montre une fois de plus que les jeunes esprits non conformistes sont le futur de n’importe quelle forme artistique." (David Katz)

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19 Le Mystérieux Regard du Flamant Rose [+lire aussi :
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interview : Diego Céspedes
fiche film], Diego Céspedes (France/Allemagne/Espagne/Chili/Belgique)

"En faisant infuser son film à travers la quête d’explications et de vérité d’une pré-adolescente, Diego Céspedes invente son propre territoire de cinéma à mi-chemin entre le réalisme brut teinté de western et le surréalisme théâtral. Une esthétique qui fait tout le cachet d’un film dont la dimension allégorique n’est pas vraiment révolutionnaire, mais qui tient les promesses de son pari de "crossover" audacieux et d’hommage à l’esprit frondeur et aimant (en dépit des souffrances) d’une communauté soudée : "je pourrai être une pute, une voleuse, une menteuse, mais je ne serai jamais une déserteuse."" (Fabien Lemercier)

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18 The Ugly Stepsister [+lire aussi :
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fiche film], Emilie Blichfeldt (Norvège/Pologne/Suède/Danemark)

"En s'inspirant de la version de Cendrillon des frères Grimm, de 1812, Emilie Blichfeldt privilégie le point de vue du personnage secondaire le moins pris en compte dans cette histoire. Le film brille par le ton de body horror à la Cronenberg qu'il arrive à donner au développement de son récit, et par son atmosphère gothique de type centre-européen des années 1960 et 1970. L'habileté toujours solide de Blichfeldt compense le fait qu’elle a du mal à ajouter à cette vieille histoire à raconter avant d’aller au lit un élément nouveau qui surprenne." (David Katz)

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17 L'Étranger [+lire aussi :
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interview : François Ozon
fiche film], François Ozon (France/Belgique)

"Véritable joyau dans toutes ses composantes, L’Étranger est sans aucun doute le long métrage artistiquement le plus accompli de la prolifique carrière de François Ozon, et son cachet alliant quintessence cinématographique et incontournable patrimoine littéraire mondial, en fait un candidat naturel et évident pour les plus hautes distinctions." (Fabien Lemercier)

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16 The Last Viking [+lire aussi :
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interview : Anders Thomas Jensen
fiche film], Anders Thomas Jensen (Danemark/Suède)

"Tout commence quand un cambrioleur endurci, sort de prison après une peine de quinze ans et veut récupérer sa part du butin lié à un braquage de banque, soit 20 millions, cachée par son frère. Les problèmes ne font que commencer. Comme Roy Andersson, ou encore Aki Kaurismäki, Anders Thomas Jensen a un style si distinctif qu'on le reconnaît dans la minute. Comme Thomas Vinterberg, Nicolas Winding Refn et Susanne Bier, il a joué un rôle déterminant dans la vague danoise qui a pris son élan au milieu des années 1990 et continue de rouler. À quatre décennies et quelques du début de sa carrière, M. J. serait-il enfin prêt à conquérir le monde lui aussi ?" (Jan Lumholdt)

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15 Kika [+lire aussi :
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interview : Alexe Poukine
fiche film], Alexe Poukine (Belgique/France)

"Autant de questionnements existentiels que la cinéaste aborde avec autant de trivialité que de profondeur, les plongeant dans un quotidien où le réel ne cède pas à la fiction, où l’histoire est ancrée, située dans la vie vraie. Le film dans sa mise-en-scène résiste avec tendresse et une certaine douceur au format du portrait, avançant par à-coups, se permettant des ellipses parfois vertigineuses. Si Kika est au centre, c’est au centre d’une constellation humaine, où tous les regards sont riches, et sensiblement mis en valeur." (Aurore Engelen)

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14 La grazia [+lire aussi :
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fiche film], Paolo Sorrentino (Italie)

"S'il reconnaît proposer ici, d'une certaine manière, une relecture du Décalogue de Krzysztof Kieślowski, Sorrentino traite tous ces sujets existentiels avec sa patte à lui, avec une sobriété rafraîchissante rehaussée par l'acteur principal de sept de ses films (pour le moment) qui ont tous fait ressortir l'excellence du duo qu'ils forment. Parmi ces films, La Grazia se place aux côtés de La Grande Bellezza [+lire aussi :
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interview : Paolo Sorrentino
fiche film], car on y trouve et la grandeur, et, indéniablement, la beauté. Retrouver les qualités de Mariano De Santis dans n'importe quel leader politique actuel est plus délicat, surtout si on cherche de la "grâce"." (Jan Lumholdt)

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13 La Trilogie d’Oslo / Rêves [+lire aussi :
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interview : Dag Johan Haugerud
fiche film], Dag Johan Haugerud (Norvège)

"Après Désir [+lire aussi :
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interview : Dag Johan Haugerud
fiche film] et Amour [+lire aussi :
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interview : Dag Johan Haugerud
fiche film], la mission de Rêves de constituer une culmination, n'en était que plus dure. En tout cas, ce que Haugerud démontre dans ce triptyque, c’est que les hiérarchies n'ont pas leur place en amour (pas plus que dans le sexe ou les rêves). Les films de Dag Johan Haugerud sont des lettres d’amour à Oslo, célébrant les liens humains : réelles ou imaginaires, ces rencontres font que nous sommes qui nous sommes et continuent de résonner bien longtemps après que leur vaisseau initial ait disparu. Rêves, comme ses prédécesseurs, est un hymne aux moments fugaces qui amèneront des changements profonds, sans même qu’on s’en rende compte encore." (Savina Petkova)

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(Voir l'interview avec Dag Johan Haugerud)

12 Resurrection [+lire aussi :
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fiche film], Bi Gan (Chine/France)

"Si on devait réduire Résurrection à une seule chose, on pourrait dire que Bi, jeune homme amoureux d’une forme artistique que beaucoup ont proclamée morte, a réanimé ce qu’il voit comme du cinéma (en effet, aucun réalisme social n'apparaît ici), peut-être pour lui faire un dernier adieu tandis qu’on évolue à travers un XXIe siècle où, comme le veut le dicton, la dystopie est déjà ici. Un groupe d'inconditionnels va adorer ce film, et réaliser des diagrammes comme pour Mulholland Drive, Memento et Tenet. Allez, découvrez donc votre Bi-sexualité !" (David Katz)

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11 Le Rire et le Couteau [+lire aussi :
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interview : Pedro Pinho
fiche film], Pedro Pinho (Portugal/France/Roumanie/Brésil)

"On peut affirmer que la durée est clairement un élément clef de la vision artistique de Pinho, et en effet, Le Rire et le couteau a besoin de cette durée pour traiter tout cet éventail de sujets disparates et creuser plus profond dans la caractérisation des personnages. C’est une expérience certes exigeante (le film dure 211 minutes), mais hypnotisante, que la découverte de cette œuvre – du reste, on aurait l'impression de voir un travail incomplet ou inachevé s'il était plus court de 45 minutes. Il suffit de se laisser peu à peu porter par son rythme particulier, concrètement, physiquement pourrait-on dire, en somme de règler son horloge corporelle à ce qu'on appelle le "temps africain". Sérgio, par sa position, fait l'effet d'un vague homologue de Pinho, dans le sens où il regarde de l’extérieur et se demande s’il a sa place ici où s'il empiète. Cette dynamique fait de Le Rire et le couteau un film légèrement réflexif qui dans son exploration de ses thèmes, se retourne sur lui-même, pour en faire le tour, mais il y a quelque chose de beau dans l'intégrité de son choix de rester dans l'hésitation et l'ambivalence." (David Katz)

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10 Pillion [+lire aussi :
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fiche film], Harry Lighton (Royaume-Uni/Irlande)

"Pillion (un terme évoquant le siège arrière d’une moto) est un film sans aucun complexe, cru et relativement stupéfiant dans sa description minutieuse de la banalité de pratiques très peu conventionnelles. Harry Lighton surmonte les écueils d’un pari cinématographique osé grâce aux performances de ses deux protagonistes, mais surtout en réussissant à donner à l’ensemble une tonalité douce-amère très ironique. Une drôlerie insolente très british qui fera peut-être polémique, mais qui autorise le spectateur à pénétrer dans un monde ultra codifié et à pouvoir se projeter." (Fabien Lemercier)

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9 Deux procureurs [+lire aussi :
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interview : Sergueï Loznitsa
fiche film], Sergei Loznitsa (France/Allemagne/Roumanie/Lettonie/Pays-Bas/Lituanie)

"À travers ses personnages croqués à la perfection et une restitution d’atmosphère remarquable, Sergueï Loznitsa signe un excellent film, condensé et intense dans son tempo ciselé. Prenant tout son temps pour approfondir l’étude des expressions des visages, les suggestions des paroles, le lourd climat carcéral, l’univers feutré quasi kafkaïen du centre du pouvoir, tout en injectant un minimum de suspense et d’humour (très) noir dans les tribulations de son idéaliste héros aux aguets, sentant ou imaginant déjà le souffle du NKVD (aujourd’hui FSB) sur sa nuque, le réalisateur délivre un tableau impitoyable, un message tranchant de dénonciation d’un système saturnien corrompu dévorant ses propres enfants et une œuvre cinématographique de tout premier ordre." (Fabien Lemercier)

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(Voir l'interview avec Sergei Loznitsa)

8 Les Échos du passé [+lire aussi :
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interview : Mascha Schilinski
fiche film], Mascha Schilinski (Allemagne)

"Pour Mascha Schilinski, le cinéma est à la fois un miroir et un portail vers tout un univers de sentiments. Chaque image est immensément signifiante dans Sound of Falling, qui formule un récit étalé sur plusieurs décennies autour de quatre filles, dans la même cour de maison de campagne. Le film est aussi un brillant modèle de retenue formelle, ce qui en fait une sorte de drame de chambre d'échelle épique dont chaque scène pourrait tout à fait être la première, ou la dernière. Ces compositions rendent bien le côté irréel inquiétant des premières photographies, quand les gens pouvaient aisément croire que l'objectif capturait l'âme des gens. Pour un film certain de conquérir la critique qui fait autant attention aux surfaces, Sound of Falling déjoue totalement l’objection habituelle de superficialité qu'on dirige vers les travaux extrêmement formalistes, car il traite les surfaces comme la strate extérieure d’un organisme bel et bien vivant, qui respire, qu'il s'agisse d'une femme ou d'une maison." (Savina Petkova)

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(Lire l'interview avec Mascha Schilinski)

7 Bugonia [+lire aussi :
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fiche film], Yorgos Lanthimos (Irlande/Royaume-Uni/États-Unis/Corée du Sud)

"Ce qui élève Bugonia au-dessus du simple exercice d’excentricité, c’est la joie qui s’en dégage. Malgré toutes les idées dérangeantes qu’il aligne, le film déborde de facétie jubilante. C’est sans nul doute le travail d'un Lanthimos plus déchaîné que jamais : nihiliste certes, mais aussi comique. On rit aussi facilement qu'on se sent mal à l'aise et quand le film se termine, on a le sentiment d’avoir été témoin d’un travail qui ose être idiot et profond à parts égales, et s’éclate dans ses contradictions tout en exposant quelques rudes vérités sur la société contemporaine." (Davide Abbatescianni)

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6 Fiume o morte! [+lire aussi :
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interview : Igor Bezinović
interview : Igor Bezinović
fiche film], Igor Bezinović (Croatie/Italie/Slovénie)

"Igor Bezinović se lance dans un parcours pour retracer dans le détail le règne de Gabriele D'Annunzio sur la ville, à présent très largement oublié. Pour ce faire, il s’appuie sur de riches archives de plus de 10 000 photos et quelques films remontant à l’époque. Cependant, Fiume or morte! n’est pas une simple reconstitution dramatique d’une période historique, car le réalisateur fait le choix métacinématographique d'expliquer sa démarche artistique, pour rejouer certains des moments immortalisés sur les photographies. En outre, le réalisateur parvient à ouvrir un dialogue avec notre présent. Le film est un spécimen de cinéma habile qui nous rappelle que bien que les éléments qui constituent l'"héritage" d'une certaine époque ne soient pas toujours à la vue de tous, le passé, parfois sombre voire fou, n’est jamais trop loin." (Marko Stojiljković)

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5 La Voix de Hind Rajab [+lire aussi :
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interview : Kaouther Ben Hania
fiche film], Kaouther Ben Hania (Tunisie/France)

"Aussi inconfortable que cela puisse être de faire des comparaisons cinématographiques, La Voix de Hind Rajab est dans la veine d'autres comptes rendus récents sur les opérations de sauvetage et le courage héroïque des urgentistes, même si le film de Ben Hania va évidemment plus loin en insérant un enregistrement véritable des faits (et laisse parfois apparaître les vraies personnes que les acteurs interprètent), ce qui connecte encore davantage le récit à la "réalité", mais a pour effet un peu gênant de faire paraître l'écriture du film et le jeu des comédiens plus simpliste et mélodramatique. Cela dit, pour en revenir à l'effet de distanciation et de médiation technologique que le film crée, à juste titre, il souligne aussi que ce qui se passe en ce moment est une catastrophe sans précédent et un acte de châtiment collectif de la part d'Israël, car ce n'est pas seulement le Hamas qui est visé mais, apparemment, tous les Gazaouis, et la protection civile par les intermédiaires comme la Croix-Rouge (sans compter les journalistes et les organisations diplomatiques reconnues) n'y change rien." (David Katz)

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4 L'Agent secret [+lire aussi :
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fiche film], Kleber Mendonça Filho (Brésil/France/Allemagne/Pays-Bas)

"Expert en préparation cryptique du terrain, le cinéaste brésilien fait résonner sa voix unique en amalgamant magistralement tous les chants de son choeur de personnages. Masquant longtemps l’émotion, sous un masque formel de divertissement et d’hommage à l’héritage du 7e art, le film se révèle une pièce de choix dans le musée de la mémoire meurtrière du Brésil." (Fabien Lemercier)

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3 Valeur sentimentale [+lire aussi :
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interview : Joachim Trier
fiche film], Joachim Trier (Norvège/France/Danemark/Allemagne)

"Il y a le cinéma d’art d'essai, et le cinéma d'auteur accessible, et le Norvégien Joachim Trier est devenu une sorte d'expert dans la deuxième catégorie. Ses films, en particulier les plus récents, misent beaucoup sur le rire qui filtre à travers les larmes. Ça fait terriblement sentimental, dit comme ça, mais ça fonctionne. Les cinéastes et acteurs sont nombreux à comparer la création à une psychothérapie mais Trier, ici en grande forme, montre tendrement comment les choses fonctionnent dans la pratique. Les secrets trop longtemps enfouis peuvent vous ronger, vous et vos enfants, semble être la leçon à retenir. Il ne reste plus qu'à faire de l'art. Et à être joyeux." (Marta Bałaga)

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2 Un simple accident [+lire aussi :
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interview : Jafar Panahi
fiche film], Jafar Panahi (France/Luxembourg/Iran)

"Jafar Panahi confirme qu'il compte parmi les cinéastes les plus importants du moment. Son nouveau film est non seulement politiquement puissant et inventif sur le plan formel : il est aussi profondément humain. C’est un récit captivant à combustion lente qui atteint son paroxysme dans un final dévastateur. C'est un film à la fois de son temps et intemporel, profondément ancré dans les réalités politiques et sociales de l’Iran." (Davide Abbatescianni)

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1 Sirāt [+lire aussi :
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interview : Óliver Laxe
interview : Sergi López
fiche film], Óliver Laxe (Espagne/France)

"Recyclant beaucoup de genres (une pointe de Mad Max, un zest de Zabriskie Point, le rituel du Tawaf à La Mecque, etc.) et dans la lignée subtile tissée dans ses œuvres précédentes, Oliver Laxe embarque totalement le spectateur et réussit magistralement un film expérience (mais absolument pas expérimental) inoubliable sur l’humain et le monde, le collectif et l’individu, l’être et le néant, la radicalité et l’universalité, l’intime et le cosmique, qu’il est préférable de traverser sans réfléchir pour l’apprécier à sa pleine mesure (démesurée)." (Fabien Lemercier)

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(Traduit de l'anglais)