31/01/2023 - Abbiamo parlato con il cineasta tedesco del suo primo lungometraggio girato di getto durante la pandemia, che trasmette una sensazione di smarrimento e solitudine

(© Nils Schwarz)

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scheda film] ha avuto la sua prima mondiale al concorso Tiger dell’International Film Festival in Rotterdam, dopo aver vinto il premio per la miglior regia al Max Opühls Prize a Saarbrücken (leggi la news). È il primo lungometraggio del cineasta tedesco Lukas Nathrath, che abbiamo incontrato per parlare della genesi del progetto, della creatività scaturita dalla pandemia di COVID e dell’annosa questione dei problemi di comunicazione tra esseri umani.

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Cineuropa: Da dove è venuta l'ispirazione per il film? Come è nato il progetto?
Lukas Nathrath: L'idea per il film e il film stesso sono nati durante il primo lockdown dovuto al Coronavirus. All'epoca ero a Basilea come filmmaker in residence, i teatri erano chiusi e il mio amico, l'attore Sebastian Jakob Doppelbauer, come molti suoi colleghi, era in pausa forzata. Sebastian ed io eravamo in contatto e ci è venuta l'idea di sviluppare un progetto cinematografico. A causa di questo stallo esterno, abbiamo avuto la sensazione che, tuttavia, molto avesse cominciato a muoversi dentro di noi. Avevamo voglia di distrazione e avventura. Prima avevamo un'idea per un cortometraggio, poi è diventato un lungometraggio. Ma non avevamo soldi e finanziamenti. Alla fine ce la siamo cavata con 4000 euro, che sono andati soprattutto in post-produzione. Per il resto ci siamo adattati. Ad Hannover molti appartamenti erano vuoti a causa dei teatri chiusi. Sebastian e altri membri della compagnia hanno avuto tempo e hanno accettato di unirsi.

Come ha sviluppato i personaggi? Quali aspetti sono stati i più importanti?
Ho incontrato ciascuno degli attori individualmente per parlare dei loro ruoli. Lo sviluppo dei personaggi è stato uno sforzo collaborativo. Gli attori hanno posto molte domande importanti per lo sviluppo dei personaggi. Poi ho continuato a scrivere la sceneggiatura e l'ho adattata gradualmente. Era importante che tutti i personaggi avessero una cosa in comune. Tutti hanno sperimentato la solitudine, il dolore e la perdita. Ma sono intrappolati nel loro mondo e non riescono a comunicare. Mi interessa osservare come le persone spesso parlino l'una accanto all'altra, non ascoltino e non siano in grado di comunicare.

Clemens compone una canzone in inglese. Gli ospiti criticano la sua scelta di linguaggio. Cosa intendeva con questo?
Attraverso la lingua straniera, Clemens costruisce una protezione. La lingua significa distanziamento. Per me il film è anche una sorta di alienazione. Non è autobiografico, ma molto personale.

A poco a poco diventa chiaro che il tema centrale del film è l'instabilità mentale di Clemens. Lisa non può più assumersi la responsabilità.
Lisa si mette costantemente sotto pressione e stress. Questa è una sorta di compensazione, deve sempre compensare Clemens e la paura che ha di lui. Clemens in parte non è più in grado di vivere. Ha ostacoli interiori che cerca di superare. Ma molte persone li incontrano sulla propria strada. Nel suo personaggio, questa responsabilità si unisce all'insicurezza che molti artisti e creativi conoscono. Penso che tutti possano identificarsi con lui in un modo o nell'altro.

Quale messaggio vuole trasmettere con il film?
Volevo mostrare le persone che lottano con se stesse, mostrare cosa può esserci dietro la facciata. Ci incontriamo e di solito abbiamo un'opinione degli altri senza conoscerli veramente. La cosa grandiosa del mezzo cinematografico è riuscire a cogliere la prospettiva di un personaggio e cercare di capirlo.

Ha dei modelli letterari e cinematografici?
Cechov è una grande ispirazione per me. Nel suo lavoro, le persone spesso si siedono l'una accanto all'altra e parlano l'una accanto all'altra. Quindi questi problemi di comunicazione esistevano già alla fine dell'800, non è un fenomeno di una certa generazione. Per quanto riguarda i film, Una moglie di John Cassavetes è molto importante per me. È così preciso, implacabile e spietato nell'esporre la condizione umana dell'anima. Poi ci sono The Forest For the Trees e Everyone Else [+leggi anche:
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Usa principalmente una camera a mano. Perché era importante?
La camera a mano è fondamentale per trasmettere un senso di immediatezza. La serata durante la quale è ambientata la storia doveva essere dinamica, volevamo anche visualizzare l'instabilità e il tremolio del protagonista. Anche l'estetica doveva corrispondere all'estate febbrile in cui abbiamo girato. La camera a mano aveva anche ragioni pratiche. Avevamo un solo cameraman e dovevamo essere veloci. Era importante che gli attori potessero muoversi liberamente.

(Tradotto dall'inglese)