23/05/2025 - CANNES 2025: Il regista islandese parla del suo, per certi versi, singolare processo creativo

(© Hildur Ýr Ómarsdóttir)

Una famiglia islandese nel mezzo di una separazione è la premessa di The Love That Remains [+leggi anche:
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intervista: Hlynur Pálmason
scheda film], quarto lungometraggio di Hlynur Pálmason e suo terzo film sulla Croisette. In occasione della presentazione del film nella sezione Cannes Première del 78mo Festival di Cannes, Pálmason ha condiviso alcune riflessioni sul processo creativo che lo ha portato alla realizzazione dell’opera, a tratti molto vicino a quello dell'arte visiva di uno dei suoi personaggi principali.

Cineuropa: Anna, la madre nel film, è un'artista visiva. Vede qualche somiglianza o differenza tra il suo processo creativo e quello del personaggio?
Hlynur Pálmason: La grande differenza è che fare film è come un grande treno in movimento che non si può fermare perché ci sono così tante persone a bordo. Invece, l'artista visiva è sola in studio. Ma quello che ho cercato di fare negli ultimi due anni è stato combinare le due cose, vivere una vita cinematografica meno convenzionale, in cui si scrive e si sviluppa il film per un paio d'anni, poi lo si finanzia e poi si gira per un periodo molto breve. Cerco invece di avere diversi progetti in parallelo, girandoli a fasi alterne contemporaneamente. Poi, quando qualcosa sembra pronto, lo finanzio e poi mi occupo delle riprese per un breve periodo. È proprio quello che ho fatto negli ultimi due anni, anche per The Love That Remains. La scena iniziale, con la demolizione dell'edificio e il sollevamento del tetto, è stata girata nel 2017. Tutte le cose su cui sto lavorando ora si muovono e si scontrano tra loro. È molto strano, in un certo senso.

Perché ha scelto di fare di Anna un'artista visiva?
Per molto tempo non ho saputo cosa avrebbe fatto. Sono partito dall'esigenza di esplorare una famiglia. Ho disegnato una femmina, un maschio, dei bambini, un cane, delle galline e un'auto, e poi le loro routine, i loro rituali e le loro abitudini, e ho deciso chi conoscevano e dove vivevano. E tutto è emerso da questo processo, in modo molto libero e organico. Una cosa che potrebbe averla scatenata è l'immagine del tetto che viene sollevato. In realtà si trattava del mio vecchio studio che veniva abbattuto. Forse qualcosa nel mio subconscio era all'opera.

Ha filmato quella demolizione con l'intenzione di utilizzarla in seguito a fini artistici?
No. L'ho filmata per impulso, paura o panico, come atto politico, perché volevo impedire al comune di demolirlo. Quando poi ho visto il materiale, le immagini mi hanno colpito come uno splendido incipit per un film. Spesso ho bisogno di cose misteriose come queste che mi facciano venire voglia di esplorare che tipo di film potrebbe essere. E automaticamente, si è creato un collegamento con questo ritratto che volevo realizzare, di una famiglia che si divide e si frammenta. Un altro filo conduttore narrativo che ho girato separatamente è stata la trama con i bambini che costruiscono la figura, girata due anni prima delle riprese. Ho girato nel bel mezzo del processo di scrittura della sceneggiatura, che, a sua volta, è stata fortemente influenzata da queste riprese. Per quanto mi riguarda, la scena chiave è proprio questa. Quando la figura del cavaliere – che io chiamo Giovanna d'Arco – si sveglia, improvvisamente ho avuto gli ultimi capitoli.

I primi capitoli affondano le radici in una tradizione realista, non dissimile dal cinema di Mike Leigh. Ma man mano che il film procede, questi elementi fantastici lo portano in una direzione completamente diversa.
Verissimo. Aggiungendo questi contrasti, riesco a trovare un equilibrio completamente nuovo. Ma mi identifico totalmente con il riferimento a Mike Leigh. Può essere crudo e impulsivo, ma, allo stesso tempo, così ben costruito. Eppure è sempre così spontaneo, folle e gentile.

Quanto è autobiografico il film? Soprattutto considerando che i suoi figli interpretano i bambini della famiglia...
E il mio cane interpreta il loro cane. E la loro macchina è la mia macchina. Non c'è molto di autobiografico nella storia, in realtà. Io non sono separato, per esempio. Ma succede spesso intorno a me, è onnipresente, quindi il concetto di separazione si è insinuato nel film. C'è qualcosa di molto interessante nel fatto che capisci quanto hai se lo perdi, se ti viene portato via. E penso che questo si collegasse molto a ciò che volevo che fosse il film. C'è questa famiglia, e c'è molta bellezza, e devi davvero prendertene cura. È così facile dare le cose per scontate.

(Tradotto dall'inglese)