19/05/2026 - CANNES 2026: La regista kosovara parla di come non abbia esitato a portare sullo schermo il personale e a trovare una soggettività ravvicinata nel suo secondo lungometraggio

(© Artan Korenica)

Dua ha avuto la sua prima mondiale nella sezione Semaine de la Critique di Cannes, segnando la prima volta del Kosovo in questa competizione. La regista Blerta Basholli, che si è aggiudicata il Gran Premio della giuria del concorso World Cinema Dramatic al Sundance per il suo lungometraggio d’esordio del 2021, Hive, parla del suo secondo film. 

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Cineuropa: Il film è attraversato da una forte tensione tra memoria ed evasione. Che cosa significa per lei, come regista, questa dualità?
Blerta Basholli: C’è, e si sente. Mentre facevo ricerche per il film, ho chiesto a un’amica come mai in quel periodo eravamo così presi dalle feste, ad ascoltare musica o a pogare: di che si trattava? Durante la guerra, e a solo mezz’ora da Pristina, o a volte anche più vicino, la gente veniva uccisa. Erano in prima linea. Come potevamo uscire a bere qualcosa? [La mia amica] ha detto che era una forma di sopravvivenza. Era il nostro modo di resistere o di fingere normalità. Da adolescenti, anche durante un conflitto, vuoi avere quei piccoli momenti in cui ti senti normale: vuoi sognare, fare festa, innamorarti. Vuoi avere questi piccoli momenti, a prescindere da tutto. Per me, quel senso di evasione è sempre stato presente. Ancora oggi, ripensandoci, cercavo di capire come e perché lo facevamo davvero. Credo fosse un modo per allentare la rabbia e la pressione che erano sempre presenti nella nostra quotidianità, per lasciarle andare in qualche modo. Altrimenti saremmo potuti esplodere per tutto quello che stava accadendo. 

La macchina da presa resta vicinissima a Dua per quasi tutto il film, creando un effetto intimo. Era questa la sua impostazione fin dall’inizio o è maturata in seguito?
Quando ho incontrato per la prima volta la direttrice della fotografia Lucie Baudinaud, le ho detto che mi piaceva molto un approccio più documentaristico e la camera a mano. A un certo punto abbiamo persino discusso di inserire alcuni momenti statici. Ma poi, avvicinandoci alla pre-produzione, ho voluto concentrarmi su Dua. Siamo rimaste più o meno fedeli alla camera a mano e tutte le scene sono state girate in un'unica ripresa. Poi montavamo tra un blocco di riprese e l’altro, aggiungendo alcune inquadrature extra. Per me e Lucie era davvero importante stare con Dua. Volevamo dare questa sensazione soggettiva di tutto ciò che accade intorno a lei, piuttosto che mostrare e osservare la situazione in modo più distaccato. Volevo che il pubblico fosse con lei e, possibilmente, provasse ciò che lei prova.

Considerando che ha dichiarato che molte scene affondano le radici nella sua esperienza personale, come decide quali elementi portare sullo schermo e quali tenere per lei?
Be’, volevo metterci tutto. Ho scritto la prima bozza e volevo davvero essere vulnerabile e aperta. Forse è per questo che ho voluto fare cinema, perché posso parlare apertamente di cose di cui non si parla molto. Ho messo tutto lì. Volevo affrontare anche l’aggressione che lei subisce – è capitata anche a me. Non so nemmeno se tutti nella mia vita lo sappiano, ma sono disponibile a parlarne attraverso il film o anche di persona, per dare voce a queste piccole, silenziose minacce che le ragazze devono sopportare durante la guerra o al di fuori di essa. Era davvero importante avere tutto. Ovviamente abbiamo dovuto togliere alcune cose perché non funzionavano. A volte mi innamoravo di certi elementi per nostalgia, ma non funzionavano per la storia.

A proposito, il film appare piuttosto privo di sentimentalismi, ma ci sono accenni di nostalgia, come la scena in cui si canta tutti insieme. Come avete lavorato per trovare questo equilibrio?
A volte è avvenuto in corso d’opera. Per esempio, nella scena in cui lei scappa dagli adolescenti serbi, la musica la rendeva un po’ più sentimentale. Io sono sempre quella che resiste al rischio di essere troppo sentimentali. Avevamo un tema di Audrey [Ismaël], la compositrice, che poi ha modificato in senso più sentimentale. E io pensavo: “Ah, è troppo?”. Ma in un certo senso mi piaceva. Ho pensato che quel momento meritasse di essere sentimentale. Nel resto del film ci teniamo abbastanza alla larga dall’emozione. Quanto alla scena del canto, la musica era una parte davvero importante delle nostre vite quando volevamo sfogarci ed esprimerci. Per me, quello è un climax enorme di come si sentono, ma non volevo che fosse detto con parole, abbracci o lacrime.

(Tradotto dall'inglese)