22/05/2026 - CANNES 2026: Il cineasta rumeno ci parla del suo nuovo film, che inizialmente ritrae un conflitto familiare intimo ma, progressivamente, finisce per dire qualcosa di molto più ampio sulla società

(© 2026 Fabrizio de Gennaro per Cineuropa - fadege.it, @fadege.it)

Il cineasta rumeno Cristian Mungiu ha presentato Fjord in concorso al Festival di Cannes. Lo abbiamo incalzato per avere qualche dettaglio in più sul suo nuovo film. 

Cineuropa: Fjord comincia con un conflitto familiare intimo ma a poco a poco dice qualcosa di molto più grande sulla società contemporanea. Da dove nasce l’idea?
Cristian Mungiu: Circa dieci anni fa continuavo a leggere articoli su famiglie di immigrati nei paesi nordici, soprattutto in Norvegia, che perdevano la custodia dei figli dopo conflitti con le autorità. I casi arrivavano da ogni parte: Romania, Polonia, India, Africa… Quello che mi interessava era lo scontro di valori, l’impossibilità di trovare una verità semplice. Tutti erano convinti di avere ragione dal punto di vista morale.

Ho avuto la sensazione che questo conflitto diventasse molto visibile nelle società abbastanza sviluppate da accettare la critica e il dibattito. Non mi interessa fornire risposte o dire al pubblico chi ha ragione. Mi interessa il dubbio, perché penso che stiamo perdendo la capacità di ascoltare chi la pensa diversamente da noi e di impegnarci attivamente nel dialogo.

Il film rifugge posizioni morali semplici, eppure crea un forte senso di empatia nei confronti della famiglia. Quanto è stato difficile mantenere la neutralità mentre scriveva una storia così profondamente plasmata dalla persuasione e dalla manipolazione?
Penso che questa simpatia verso la famiglia sia inevitabile. Le famiglie sono emotive, intime e vulnerabili, mentre le istituzioni per natura risultano più fredde e distanti. Ho cercato con grande impegno di non giudicare i personaggi. Durante la scrittura controllavo costantemente l’equilibrio tra le diverse prospettive. Ho parlato con famiglie, avvocati, giornalisti, ONG e giudici, ma accedere al lato istituzionale è stato molto più difficile perché i servizi norvegesi di protezione dei minori inizialmente hanno rifiutato di parlarmi.

In seguito mi è stato consentito di assistere ai processi e di parlare con persone all’interno del sistema, anche se non ho mai avuto accesso ai fascicoli reali dei casi. Per questo non sostengo mai che il film mostri “la verità”. Mostra prospettive in conflitto e l’impossibilità di comprendere pienamente ciò che accade all’interno di una famiglia. Volevo anche che il pubblico rimanesse consapevole di quanto facilmente la realtà possa essere manipolata sul piano emotivo. C’è un momento verso la fine in cui la figlia affronta i genitori e, all’improvviso, la certezza che avevi prima torna a farsi instabile. Per me, la vera questione non è chi vince moralmente, ma come funziona la società quando le persone sono in disaccordo in modo radicale sui valori.

Il suo stile di regia sembra profondamente legato alla posizione etica del film. Può fare un esempio di come le scelte di macchina e di messa in scena plasmino il modo in cui il pubblico osserva i personaggi?
Sì; credo che la posizione etica di un film esista anche all’interno della sua forma. Il mio linguaggio cinematografico è costruito attorno alla riduzione della manipolazione il più possibile. Non uso musica extradiegetica ed evito di tagliare, perché ogni stacco è già un’interpretazione.

Preferisco che le scene si svolgano in tempo reale. Voglio che lo spettatore percepisca che la realtà esiste indipendentemente dal regista. Le scene in tribunale sono un buon esempio di questo approccio. Solitamente, i drammi giudiziari si basano molto sul montaggio e sui controcampi, ma qui tutto dipendeva dalla coreografia e dalla messa in scena. Gli attori e la macchina da presa dovevano muoversi con estrema precisione. Spero che questo crei un diverso tipo di tensione nel dibattito senza interrompere la continuità dell'osservazione.

Nel film lavora con diversi giovani attori non professionisti. Come li ha diretti?
I giovani attori sono stati difficili da scegliere perché dovevano essere trilingui ed emotivamente molto naturali. Abbiamo cercato all’interno delle comunità rumene in Norvegia e abbiamo persino trovato un ragazzo proveniente da una famiglia molto religiosa. Sono stato molto grato che i genitori si fidassero del progetto. Cerco di non sovraccaricare gli attori di concetti, soprattutto i più giovani. Non voglio che interpretino il “senso”; voglio che restino veri dentro il momento.

Perché era importante ambientare la storia in una comunità così piccola e isolata?
C’è qualcosa nel silenzio delle piccole comunità. Le persone evitano il conflitto aperto perché tutti si conoscono. Il paesaggio stesso riflette questa riservatezza emotiva. L’acqua è immobile, le persone sono educate e le tensioni restano sotto la superficie.

Il film contrappone spesso grandi questioni ideologiche a gesti molto quotidiani, alla fragilità dei corpi e alla piccolezza dell’esistenza umana. Perché questo contrasto era importante per lei?
Ci comportiamo come se fossimo immortali, anche se sappiamo di non esserlo. Le persone possono diventare irragionevoli quando sono convinte che tutta la verità appartenga a loro. Penso che possiamo rendere il mondo un posto migliore restando umili e accettando che alcune cose sono più grandi di noi e non possono essere completamente controllate o risolte. Così diventa anche più facile godersi i piccoli momenti della vita.

Credo che anche le società occidentali stiano facendo i conti con questo oggi. C’è il desiderio di correggere le ingiustizie storiche, il che è comprensibile, ma a volte cerchiamo di risolvere le cose zittendo o punendo le persone invece di comunicare con loro. Il primo passo dovrebbe essere riconoscere che le differenze esistono e provare a trovare modi di convivere nonostante esse.

(Tradotto dall'inglese)