16/07/2026 - Il regista parla del suo ultimo film, incentrato su una famiglia e una comunità musulmana tradizionali il cui mondo viene sconvolto quando scoprono che uno dei loro giovani membri è gay

Il regista Nader Saeivar, iraniano di nascita e residente a Berlino, parla del suo ultimo film, Hijamat, presentato in concorso alla 60ma edizione del Festival internazionale del cinema di Karlovy Vary.

Cineuropa: Hijamat riunisce le comunità turca, araba e tedesca a Berlino. La città stessa sembra quasi un altro personaggio del film.
Nader Saeivar: Io stesso sono un turco iraniano, quindi conoscevo molto bene questa comunità prima di girare il film. Non era qualcosa su cui dovessi documentarmi. Ma quando mi sono trasferito a Berlino, ho scoperto un altro livello. Quello che mi ha affascinato è che la città non mi sembrava tedesca. Mi sembrava che lì si fosse dato appuntamento il mondo intero. Volevo raccontare una storia radicata in persone che conosco, riunendo al contempo le diverse comunità che coesistono a Berlino. Attraverso amici turchi con cui avevo lavorato in Iran, mi sono avvicinato sia alla comunità turca sia a quella araba qui. Queste relazioni mi hanno permesso di costruire il mondo del film dall’interno, anziché guardarlo dall’esterno.

C’è una battuta che mi è rimasta impressa a lungo dopo la proiezione. Leyla dice a Karim: “Non è difficile uccidere una parte di te stesso”. In modi diversi, quasi ogni personaggio sembra fare esattamente questo.
Ognuno porta con sé il proprio dolore. La felicità perfetta non esiste da nessuna parte. Ma se guardi abbastanza da vicino, ti rendi conto che le radici del nostro dolore sono molto simili. Quando le persone condividono quei dolori, cominciano a riconoscersi l’una nell’altra. Per questo Margot può amare Murat quasi come un figlio. Le loro origini sono completamente diverse, ma la sofferenza non conosce nazionalità. A volte il colore della nostra pelle è diverso, ma il colore del nostro dolore è esattamente lo stesso.

Il film non dà mai l’impressione di voler rappresentare una comunità. Semplicemente sembra vissuto. Anche il casting porta con sé quel senso di autenticità.
Per me era fondamentale. Volevo attori che appartenessero realmente a queste comunità, perché il pubblico riconosce immediatamente quando qualcosa suona vero. Se queste parole sono pronunciate da qualcuno che porta quella cultura dentro di sé, le persone ci credono in modo diverso. Per la parte tedesca della storia ho lavorato a stretto contatto con il regista Behrooz Karamizade, nato e cresciuto in Germania da genitori iraniani. Mi ha aiutato a modellare i dialoghi e le sfumature emotive. L’autenticità non riguarda solo la lingua. Ha a che fare con il fatto che le persone credano o meno nel mondo che stanno guardando. Anche Nastassja Kinski è diventata parte di questa idea. Per me rappresenta una certa memoria dell’Europa, della sua bellezza e fiducia in sé stessa, e volevo quella presenza nel film.

La sua mise-en-scène sembra interamente guidata dai personaggi. Quanta libertà hanno i suoi personaggi di plasmare il mondo attorno a loro?
Tutto comincia dal personaggio. La mise-en-scène, il movimento di macchina, perfino la scenografia: tutto nasce da chi sono. Faccio solo ciò che il personaggio mi consente di fare. Se il personaggio non vive qualcosa, non dovrebbe viverla nemmeno lo spettatore. Il primo giorno ho detto al mio direttore della fotografia che non gli avrei detto dove muoversi. Sarebbe stato l’attore a deciderlo. Ovunque vada l’attore, la macchina da presa può seguirlo. Dove l’attore non va, la macchina da presa non ha diritto di andare. Lo stesso principio vale per ogni reparto. È Murat a dirci come appare il suo mondo. Non io.

Una delle cose più spaventose dell’Imam è che raramente appare apertamente violento. Manipola attraverso la certezza, la fiducia e la promessa di proteggere la famiglia.
È esattamente così che funzionano queste strutture. Ho vissuto per cinquant’anni sotto una dittatura religiosa in Iran. So come funziona il potere all’interno di quei sistemi, come si muovono i soldi al loro interno e come le persone vengano controllate senza rendersene sempre conto. Anche quando si lascia quell’ambiente, quelle strutture non scompaiono dall’oggi al domani. Viaggiano con loro. Non mi interessava giudicare nessuno. Volevo osservare come quei meccanismi continuino a plasmare la vita delle persone.

Nonostante la tensione che circonda Karim e Murat, uno dei momenti più felici del film è semplicemente quello in cui i due fratelli girano per Berlino in macchina, ridendo come bambini. Sembra quasi che, per qualche minuto, possano finalmente esistere senza le aspettative altrui.
Forse il film parla anche del lato femminile degli uomini. Ma parla certamente di libertà. Ogni personaggio è alla ricerca di un luogo in cui poter semplicemente essere se stesso. A volte lo trovano solo per pochi istanti, prima che la realtà li raggiunga di nuovo.

Jafar Panahi è accreditato come produttore e montatore di Hijamat. Che cosa le è rimasto di più del lavoro al suo fianco in tutti questi anni?
Prima di incontrare Jafar, avevo diretto diverse serie televisive. Pensavo di conoscere il cinema. Poi l’ho incontrato e ho capito che il cinema non lo conoscevo affatto. Lavoriamo insieme da molti anni ormai. Mentre realizzavo i miei film e lo assistevo sui suoi, lui mi ha insegnato tutto. È anche un insegnante incredibilmente esigente. In tutti gli anni in cui abbiamo lavorato insieme, non credo che abbia mai guardato un mio film dicendo semplicemente: “È bello”. Di solito dice: “È stato terribile”. Poi si siede accanto a me e comincia ad aiutarmi a migliorarlo.

(Tradotto dall'inglese)